miércoles, 28 de mayo de 2014

Ciclo de Cine para Pensar "El Fascismo Ordinario" de Mijhail Romm

Este viernes 31 a las 6.30pm en el marco del ciclo "cine para pensar" se proyectará "El fascismo ordinario" de Mijhail Romm, como todos los viernes,  acompañado de vino y refrigerios a precios solidarios y seguida de foro.


Dirección: Av Las Acacias, Num. 59, Qta El Campito, Urb. la Florida 

Anexamos mapa para llegar a cotrain…


"El fascismo ordinario" también llamado "el fascismo cotidiano" es un documental sobre la gestación y el auge del fascismo, elaborado a partir de filmaciones y fotografías obtenidas de los archivos cinematográficos alemanes e incautadas a oficiales nazis.

Mijail Romm, discípulo de Eisenstein, Vertov y Pudovkin, utiliza magistralmente el montaje, la voz en off, el lenguaje periodístico y la música para resaltar el impacto emocional en el espectador.

En la película se han utilizado materiales de crónica confiscados de los archivos cinematográficos de la Alemania fascista, y del archivo fotográfico personal de Hitler, así como numerosas fotografías aficionadas incautadas a oficiales de las SS."Así se abre el documental que dirigió Mijail Romm en 1965 y en el que se analiza el régimen nacionalsocialista alemán, la sociedad alemana y el holocausto durante la Segunda Guerra Mundial. Romm hace de narrador del documental.


Mijail Romm nació en 1901 en Irkutsk y falleció en 1971 en Moscú. Entre muchos galardones fue distinguido hasta en 5 ocasiones con el Premio Stalin, (1941, 1946, 1948, 1949 y 1951). En 1925 se graduó en e departamento de escultura de la Escuela Superior Técnico-Artística. Su debut como director de cine se produce en 1934, con el drama Bola de sebo, a partir de la obra de Maupassant. En 1935 dirige la cinta de aventuras Treinta. En 1937 realiza el film biográfico Lenin en Octubre, ambientado en la época de la Revolución Rusa, cinta que tendría su continuación en 1939 en Lenin en 1918, con el trasfondo de la Guerra Civil posterior a la Revolución. En 1941 dirige el drama social El sueño, ambientado en el sur de Ucrania en los 30, y protagonizado por su esposa Elena Kuzmina. Esta actriz protagonizará sus siguientes películas, el drama bélico de 1944 La persona nº 217, en 1947 el drama político El problema ruso, o en 1950 el drama de espionaje Misión secreta. En 1953 realiza el drama biográfico El Almirante Ushakov, sobre el marino ruso de finales del s. XVIII y principios del s. XIX, cinta que tendría su continuación en 1953 con Los barcos asaltan los bastiones. En 1956 dirige el drama Crimen en la calle Dante, sobre una activista de la resistencia francesa. En 1962 dirige una de sus películas más importantes Nueve días de un año, drama sobre los conflictos entre dos jóvenes científicos nucleares. En 1965 dirige el documental El fascismo cotidiano. En 1971se estrena el documental Y, sin embargo, creo, finalizado después de su muerte por Elem Klimov, Marlen Jutsiev y German Lavrov.

viernes, 23 de mayo de 2014

Ciclo de Cine para Pensar: "El Ocaso de los Dioses"


..Y como cada viernes, vino y refrigerios a precios solidarios.
Entrada y salida libres.. Les esperamos.
Cotrain está ubicado a una cuadra al oeste de la Iglesia Chiquinquirá.
A 50mts al norte del cruce entre la av Andres Bello y las Acacias,
frente a Mato Suplidores
Si se pierde, llame al 0416 406 36 18 o envie mensaje..
Saludes..

El Ocaso de los Dioses


Dir. Luchino Visconti. Guión: L Visconti, Enrico Mdioli, Nicola Badalucco. Música: Maurice Jarre. Fotografía: Armando Nannuzzi y Pascualino De Santis. Montaje: Ruggero Mastroianni. Con: Dick Bogarde, Ingrid Thulin, Helmut Griem, Helmut Berger, Umberto Orsini, Charlotte Rampling. 1969

El título alude a la ópera de WagnerEl ocaso de los dioses, La película toma temas también tratados en esa ópera: el incesto, la homosexualidad, lapedofilia, la ambición desmedida de poder y la traición. Además, trata los temas de la prostitución y el travestismo. Temas muy escandalosos para 1969, en plena revolución sexual.
La película se centra alrededor de los Essenbecks, una familia adinerada dedicada a la industria de acero que comienza a hacer negocios con el Partido Nazi en el Tercer Reich. En la noche del incendio del Reichstag, el patriarca conservador de la familia, el barón Joachim von Essenbeck, quien representa a la vieja Alemania aristocrática y detesta a Hitler, es asesinado. De allí arranca una trama, con telón de fondo de nazismo, campos de concentración, magnates y asesinos.
La interpretación de Martin (Helmut Berger) como Drag queen, disfrazado de Marlene Dietrich en Der blaue Engel, en la celebración del cumpleaños de su abuelo, célebre al momento del estreno de la película, se ha convertido desde entonces en una imagen icono de la historia del cine.
La película es una velada referencia a la familia alemana Krupp, cuya fábrica de acero tiene su sede en EssenAlemania, algo no común para la época.
Estuvo nominada, en 1970, como mejor guion original a los Premios OscarHelmut Berger fue nominado por el mejor papel masculino a los Golden Globe. Ganó el premio National Board of Review en 1970 en la categoría mejor película extranjera. Ganó el premio National Society of Film Critics Awards en 1970 por mejor actriz otorgado a Ingrid Thulin. Obtuvo el segundo lugar en el New York Film Critics Circle Awards por mejor guion, y el tercer lugar como mejor director, mejor película y mejor actor de reparto por Helmut Berger. Ganó como mejor película extranjera el Sant Jordi Awards de 1976.
Comentario crítico: (Segmentos) “Ambiciosa producción como obra personal y como recordatorio del nazismo. Diferente y certera, dirige una mirada dual hacia la autodestrucción de la poderosísima familia Eisenbeck y, al mismo tiempo, hacia la autodestrucción de Alemania, en los inicios de la ascensión del poder absoluto por parte de Hitler, entre el incendio del Reichstag y la purga y destrucción de las milicias en la “noche de los cuchillos largos”. Seguramente se trate de la mejor película jamás realizada para entender la realidad del nazismo, no estoy hablando de las causas, sino de la verdadera cara del monstruo. (...) es una visión de Luchino Visconti, de la realidad nazi, de su ascenso, su ideología y mentalidad. (...) Se trata además, en su trama familiar, de una personal versión, con tintes de Macbeth, del maestro italiano. Visconti nos introduce de nuevo en el sórdido mundo burgués, a través de una rica familia alemana, durante el auge del nacional-socialismo. El director disecciona a los personajes, seres codiciosos y deleznables, únicamente ávidos de poder, que no dudan en pasar por encima de sus parientes, utilizando el método que sea, con tal de escalar socialmente. Una cruel locura, producida por la fiebre de poder, que Visconti hace en paralelo como auge de una de las corrientes mas infames de los últimos siglos. El director se aproxima a esas ideas y desnuda como era el régimen nazi.
Todo el desarrollo argumental shakesperiano acumula demasiadas sensaciones y personajes, como dotando de un mayor protagonismo a la trama familiar que la política, aunque esa sensación es engañosa. Su riqueza intelectual se plasma en ocasionales referencias literarias y filosóficas, en verídicas predicciones bélicas, en certeras interpretaciones de hechos como la quema del Reichstag, del rearme alemán y de la molesta presencia, para el régimen y el ejército... que la convierten, según los críticos, en una película digna de ser estudiada. Pero esto es la característica de Visconti y, debido a su profundidad, pueda ser degustada más perfectamente por un público más preparado. Se puede decir que el fondo supera la forma. Técnicamente el director disfruta plasmando el movimiento de la cámara, por medio de zoom y con algunos primeros planos de una plasticidad magnifica. La fotografía, como el film tiende a ser enfermiza, con un énfasis casi deforme que domina la película, simbolizando acertadamente el ambiente de refinamiento elitista, directo, orgiástico, metafórico y cercano al verdadero carácter del romanticismo decimonónico de la alta sociedad alemana durante el nazismo.
(...) Magnífico film que muestra los entresijos y especulaciones en una familia en pleno auge del nazismo. La lucha por el poder, pedofilia, decisiones incestuosas, traiciones... Todo condensado en un argumento de connotaciones cercanas a la tragedia griega, reforzado por un reparto infalible que dota de veracidad una ficción que se desarrolla en un entorno histórico y verídico: el antes y el después de la purga que Hitler hizo contra la SS, una organización paramilitar que se interponía en los planes del dictador, aniquilando a decenas de miembros en la llamada "noche de los cuchillos largos".


Ciclo de Cine para Pensar: Cabaret 1972




ESTE VIERNES 16 EN COTRAIN A LAS 6.30pm CINE PARA PENSAR: "CABARET" DE BOB FOSSE. y como siempre, vino y refrigerios a precios solidarios.. te esperamos.. 
Cotrain: Av las acacias, 50 mts al norte de su cruce con la av Andres Bello.. vea el mapa.. les esperamos!





Cabaret (EEUU, 1972) Dirigido por Bob Fosse y con Liza Minnelli, Michael York y Joel Grey está basada en la novela de Christopher Isherwood Adiós a Berlín (Goodbye to Berlin, 1939), y fue ganadora de numerosos premios cinematográficos.
Ambientada en el Berlín de inicios de los años 30 narra una historia de amor entre la bailarina de un local nocturno de moda llamada Sally Bowles (Liza Minnelli) y un estudiante de Cambridge llamado Bryan Roberts (Michael York), con el telon de fondo del auge politico de los nazis con la ascensión del Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán* al gobierno alemán, en 1933.
*(El partido fue la única fuerza política legal en la Alemania nazi desde la caída de la República de Weimar (1933) hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial en 1945, cuando al caer el nazismo, fue declarado ilegal y organización criminal, y sus líderes arrestados, culpados y juzgados por crímenes de guerra, contra la humanidad y contra la paz en los Juicios de Núremberg entre noviembre de 1945 y octubre de 1946.)
Cabaret fue nominada a 10 premios Óscar y ganó 8, cosa que sorprendió, pues la favorita de ese año era El Padrino de Francis Ford Coppola, que logró el premio de mejor película, el de mejor actor (Marlon Brando) y el de mejor guion adaptado. Cabaret ganó mejor dirección, mejor actriz principal (Lisa Minnelli), mejor actor de reparto (Joel Grey) Mejor Guión adaptado (Jay Presson Allen) Mejor fotografía (Geoffret Unsworth) mejor banda sonora (Ralph Burns) Mejor Montaje (David Bretherton) Mejor dirección artística (Rolf Zehetbauer, Hans Jurgen Kiebach y Herbert Strabel) Mejor sonido (Robert Knudson David Hildyard) El guión (adaptado) fue de Jay Presson Allen. Solo fue nominado.

Comentarios: “Decía F F Coppola (...) que el cine musical, en sentido estricto, es aquél cuya trama no puede comprenderse sin las canciones, ya que éstas cuentan la historia musicalizada. Ahora bien, también creo que las reglas están para romperse, con el necesario ingenio, y ‘Cabaret’ es buena prueba de ello, pues la historia podría entenderse perfectamente sin los números musicales que las chicas y el genial maestro de ceremonias llevan a cabo sobre el escenario del Kit Kat Klub, pero faltaría el punto de vista que esas mismas canciones aportan, esa ironía que complementa la historia, o sencillamente ese juego de contrastes servido con el prodigioso montaje de David Bretherton entre la cruda realidad exterior y el salvaje libertinaje del interior.
Y lo de sacar a colación a Coppola tiene otro sentido más, y es que ese montaje paralelo que podemos observar en el primer número musical de la película (arriba del todo lo tienen) lo plagió él descaradamente, con toda la desvergüenza del mundo, no solamente en varios momentos de su espectacular pero gélida ‘Cotton Club’, sino en cierta forma en el sublime final de su trilogía sobre los Corleone. Pero eso es lo de menos. ‘Cabaret’ se convertía en un hito en 1972, recuperando el esplendor, ya casi olvidado, de los grandes musicales, obteniendo un fabuloso éxito popular y ocho Oscar, aunque el de mejor película le fue arrebatado, sorpresivamente para muchos, por ‘El Padrino’, precisamente.”

“Película de culto avalada por ocho Oscars. En su momento, se polemizó sobre la estatuilla ganada por Joel Grey en detrimento de Al Pacino como hijo de Don Vito Corleone, en EL PADRINO. En mi opinión, y respetando siempre a ese gran actor que es Pacino, nuestro querido bufón encarna a un personaje que destila un aura de irrealidad como pocas veces se ha visto en un film. Es como un fantasma de los deseos humanos. Alguien libre y absurdo que se cuela durante unos instantes en las vidas de los berlineses pre-nazis aportando ironía y sarcasmo con sus números musicales. Liza Minelli interpreta el mejor papel de toda su carrera, y el personaje del aristócrata alemán, completamente inesperado, profundiza en la riqueza de esta película. CABARET posee la que para mí es la secuencia más impactante. En sólo tres minutos, un genial Bob Fosse nos muestra mediante una de las canciones más bellas de la Historia, lo que todavía no ha conseguido nadie: explicar por qué el pueblo alemán se decantó en las urnas por un homosexual bajito llamado Adolf. La escena, censurada en Alemania durante la década de los 70, es para mi, irrepetible por su ejecución, su belleza, la canción, por su horror, por su puesta en escena... Un gran film que no decepciona a nadie y una total e indiscutible obra maestra.
Bob Fosse conservó intacto el encanto y el ambiente chispeante y desvergonzado de un típico local nocturno de espectáculos, que se presenta como una alegoría de la alegría ruidosa sin prejuicios, y la evasión de los problemas de la vida diaria. El “Kit Kat Club” es pura filosofía que invita a dejar las preocupaciones en la puerta y zambullirse en la euforia de noches restallantes de música, colorido, risas, embriaguez, excesos y desinhibición. Mientras de puertas afuera el partido nazi alemán crece como una enfermedad y gana cada vez más fanáticos adeptos, mientras en las calles se suceden las emboscadas, los asesinatos y esos grupos de desaprensivos que marchan como legiones infernales insultando a los judíos, agrediéndolos y dejando ofensivas pintadas en los muros de sus viviendas, dentro del “Kit Kat Club” las penas se olvidan bajo ríos de alcohol, capas de maquillaje, ropas chillonas, coreografías de vértigo y canciones que hablan de felicidad, de amor, de dinero y de diversión. El maestro de ceremonias es toda una institución en sí mismo. Una institución sobre la libertad, el descaro, el ocio y el placer que cada noche, es completamente feliz dando rienda suelta a todo su caudal artístico. Ácido, avispado y punzante, bajo su maquillaje y su desparpajo destapan las hipocresías de una sociedad demasiado ciega por la soberbia. El cabaret es el núcleo tras el cual se originan historias personales. Punto de encuentro de un público deseoso de huir de la tosca realidad exterior, y de artistas que sueñan con un futuro de luces prometedoras, escenarios, bambalinas y éxito.”

viernes, 9 de mayo de 2014

Ciclo de Cine para Pensar: "La Cinta Blanca"

Dentro del ciclo "cine para pensar" este viernes en cotrain, con los vinitos y regrigerios a precios solidarios, y como siempre a las 6.30pm, proyectaremos "la cinta blanca" Palma de Oro en Cannes. LES ESPERAMOS..
"Turbador y ascético análisis sobre la represiva ambigüedad moral alemana de principios del siglo XX que gestará las dos grandes guerras mundiales y el nazismo. El tratamiento se realza gracias al uso medido del efecto de distanciamiento del teatro de Brecht."
Según Haneke, la película trata sobre "el origen de todo tipo de terrorismo, sea de naturaleza política o religiosa.".1 Para el realizador "es un microcosmos que representa el macrocosmos de la sociedad de manera muy eficaz"2
Obtuvo notable recepción de la crítica, The Guardian opinó: Una historia de fantasmas sin fantasmas, de crímenes sin culpables, una parábola histórica sin moraleja que lleva al espectador al borde del abismo de la ansiedad con escalofriante brillantez y helada exactitud.3 La cinta blanca (símbolo de pureza espiritual y amuleto contra el pecado) es una reflexión sobre el fin de la inocencia, la perversidad innata, la cómoda negación de los hechos a fin de no enfrentarlos y otras sórdidas facetas del alma humana plasmadas en un marco sutil de gran belleza escénica con soberbia fotografía de Christian Berger, acreedor a la mayoría de los premios personales obtenidos por la película.
Fue estrenada en el Festival de Cannes en mayo de 2009 y ganó la Palma de Oro y el Globo de Oro.4 También recibió una nominación a los Premios Oscar por mejor película extranjera, premio que ganó El secreto de sus ojos, película argentina dirigida por Juan José Campanella.


VIERNES 2 DE MAYO Ciclo de Cine para Pensar: "Vencer"

Este viernes 2 de mayo a las 6.30pm en COTRAIN.

Ciclo de Cine para Pensar: "VENCER" DE MARCO BELLOCCHIO. 

COMO SIEMPRE VINO Y REFRIGERIOS A PRECIOS SOLIDARIOS.. LES ESPERAMOS..
 

LA PELICULA: Biografía de Benito Mussolini y relato del ascenso del fascismo en Italia. Bellocchio describe su epopeya histórica desde la perspectiva de la vida de la amante del Duce, Ida Dalser y su hijo ilegítimo, Utiliza también material documental de la época.

Adjunto el mapa

jueves, 24 de abril de 2014

Ciclo de Cine para Pensar Rosa Luxemburgo

Este viernes a las 6:30pm en COTRAIN 

Ciclo de Cine para Pensar: Rosa Luxemburgo. 

De Margaret Von Trotta, con Barbara Sukova y Daniel Olbrishki.
 

Como siempre: Vino y refrigerios a precios solidarios, más un regalo con el vino: el libro de Rosa Luxemburgo.
 
Les esperamos.


Adjunto el mapa. 



jueves, 3 de abril de 2014

Ciclo de Cine para pensar: El huevo de la Serpiente

Este viernes, 4 de abril de 2014 se visualizará en el Ciclo de Cine para Pensar de COTRAIN: El huevo de la Serpiente

Director: Ingmar Bergman

En Berlín Abel, un trapecista judio norteamericano y alcohólico encuentra el cadáver de su hermano en la habitación que ambos comparten. Se ha suicidado, y Abel se siente responsable de su cuñada, Manuela, que trabaja en un cabaret. Entre ambos surge una relación de mutua dependencia, en un mundo golpeado por la crisis, la violencia y la muerte.

Adjunto el mapa.

viernes, 28 de marzo de 2014

Ciclo de Cine para Pensar: La lengua de las Mariposas

  “La lengua de las mariposas” (cuento de Manuel Rivas) 
Trata sobre la relación de un niño y su maestro durante los meses previos del golpe de estado del 17 y 18 de julio de 1936 que dieron comienzo a la guerra civil española. Empieza con el niño, Moncho, que no quiere ir a la clase porque teme que el maestro le pegue, como era costumbre en la educación represiva de la época. Pero su maestro, don Gregorio, es un maestro que utiliza el método de observación como enseñanza. Durante estos sucesos, está ocurriendo la guerra en Madrid. “De forma coral, el pueblo sigue con pasión, a través de la radio, los acontecimientos y debates políticos de Madrid o Barcelona. Pueblo como la mayoría, formado por gentes de todo tipo: conformista, asustados, o un poco de todo. Don Gregorio le enseña muchas cosas a Moncho, principalmente sobre la libertad. No les contamos el final, de enorme valor. 1999 (93 minutos)

Director: Jose Luis Cuerda

Guión: Jose Luis Cuerda, rafael Azcona, Manuel Rivas

Protagonistas: Fernando Fernan Gomez y Manuel Loxzano

Mi teléfono celular: 0416 406 36 18 (solo msm)
Adjunto el mapa